NOVEDADES

Conciertos

Entrevistas

Festivales

jueves, marzo 14, 2024

Moranes presenta "Todo lo que Ayer Querías"



 "Todo lo que Ayer Querías" es el nuevo single del grupo Moranes. Este grupo de rock es originario de Tarragona, y despliegan un rock and roll actual que hace vibrar al público asistente a todos sus conciertos. A pesar de ser un grupo de reciente creación, ya en 2022 han hecho más de 30 directos.

 En estos momentos se encuentra en fase de grabación de su primer disco. Es una banda emergente con una potencia de crecimiento espectacular, con una música fresca, de guitarras sonoras, ritmos cambiantes y letras cuidadas. Tras un recorrido de bares con un EP con un single muy reseñable "Hoguera de Vanidad" mencionando el permitirse ser errante dentro del aprendizaje de cada ensayo dentro de una vorágine musical temporal. Indica la nota informativa, que el conjunto liderado por Ramon Preixens (voz y guitarra) convierte sus emociones en las letras de un nuevo álbum creado a fuego lento. El grupo formado por sus cinco componentes, Pablo Camacho (guitarra), Mario Cozar (bajo), Miki Fa (teclado), Luis Herrero (batería) abraza la esencia cautivadora del Pop-rock gamberro de los noventa. Se presentaron en la escena musical publicando su primer EP en 2022, mostrando en sus letras la odisea cotidiana de las emociones humanas. El estilo desenfadado de sus guitarras y el ritmo contagioso de los estribillos que caracterizan al conjunto, forman un tándem perfecto. Este nuevo LP ha sido producido por Isma Romero en conjunto con Julio Valde en Shark Estudios. Colabora en el disco Coki Jiménez, reconocido percusionista que ha colaborado en trabajos y directos junto a numerosas legendarias bandas de rock desde Fito, Dani Martín, M-Clan, Amaral, Danza Invisible. "Todo lo que Ayer Querías" es el primer sencillo de su nuevo disco "Sideral" acompañado con un videoclip en el que que responde a nuestro sentimiento cargada de rabia y ansiedad y exploran un poco nuestro lado más tormentoso y salvaje de la mente de afrontar en conseguir aquellas necesidades prioritarias o privilegios que no nos otorgan a cambio de las tareas u obligaciones cumplidas.

 

 La canción menciona aciertos y asumiendo los errores cometidos en el ejercicio de seguir aprendiendo dentro de un corte rockpop clasicote y una lírica de autoayuda, creo que gustará mucho a seguidores del estilo de grupos de Leiva o Sidecars. Letras inconformistas dentro de un presente que sufrimos combinado musicalmente con guitarras, conservando ese rockpop directo de guitarra y tambor, estribillos centelleantes explotando donde menciona las palabras que más duele con la intención de seguir adelante. Encontrando muy interesante ese estímulo contradictorio muy melódico y musicalmente optimista combinado dentro del fragmento lírico más deprimente con ganas de "saltar al vacío". El próximo 15 de Marzo vemos que tal les funciona el lanzamiento "Todo lo que Ayer Querías" su próximo single después de "Corazón Superdotado" presentado el pasado mes de octubre.

Más información de la banda en MORANES – 2Giras


sábado, marzo 02, 2024

[Crónica] Guadalupe Plata en La Cochera Cabaret (28/02/2024)

 


Cualquier maldita rata mal nacida sabe que un concierto de Guadalupe Plata es una experiencia sonora de la que no sales indemne. Sabe también que, como esa marca de cerveza que se fabrica en Málaga, donde va, triunfa. Si a esto añadimos que el concierto se celebraba en La Cochera Cabaret, sala que aún no conocíamos pero que nos ha encantado por su amplio espacio, buena visibilidad y buen sonido, el concierto ideal para celebrar nuestro peculiar día de Andalucía era sin dudas ese “Serpiente y Redensión” que llegaba además en nuestro horario favorito, a las 19 h, para que de tiempo de cenar, salir, bailar o lo que cada cuál vea oportuno.



Y, puntuales como relojes, acudimos el miércoles a disfrutar de la tormenta sonora con la que abren concierto con un velado martinete dando paso no sólo a Pedro de Dios y Carlos Jimena, sino a otra cara que cada vez se hace más habitual junto a la banda, la de Luis Aróstegui, encargado de sonidos y percusiones varias.



“La ruina” Everlasting Records (2023), es el último trabajo de los ubetenses y en éste, como en los anteriores, son parcos en palabras cantadas aunque para la ocasión se adornan de coros tanto por parte de Aróstegui como de una voz femenina que contrastaba bastante con el oscuro blues del que hace gala Guadalupe Plata. En éste, como novedad, indaga y profundiza en otros sonidos y otras raíces de las que no habíamos percibido su presencia en trabajos anteriores.



En sonidos más tradicionales se meten de lleno con temas como “La Cigüeña” un clásico del folclore castellano, perteneciente al cada vez más reivindicado Agapito Marazuela aunque con la misma facilidad con la que se arraigan al terruño emprenden un vuelo sin motor hacia el perú de Daniel Alomía y nos deleitan con una enorme versión de “El Cóndor pasa” en la que, además, emparentan muy de cerca con el sonido personalísimo de El Twanguero con lo cual, la jugada es redonda, pocas versiones se han podido hacer de este tema con tanto estilo como el que le ha imprimido Guadalupe Plata a este clásico andino.



Eso sí, como suele pasar en prácticamente todos los conciertos de cualquier banda, es en la tanda de temas más conocidos en los que el público se arranca y se enfervorece y allí pudimos verlo en los primeros compases de “Milana bonita”, ese tema proveniente del cancionero infantil como es “Calle 24” o el “Cementerio” que tantas veces nos ha hecho mover nuestros huesos, no al sol, pero sí en la penumbra rojiza y brumosa que eligieron desde sus inicios para “alumbrar” su puesta en escena.



Así, con el manejo impecable que tiene la banda de sus tiempo y el set list, disfrutamos de algo nuevo, algo viejo y algo infernal y pantanoso en esa mezcla sonora que les distingue de cualquier otra banda del estilo. Aunque, Guadalupe Plata sólo hay uno y damos fe de que siguen en una forma envidiable y con mucho que blusear a pie de pantano todavía. Y nosotros, que lo veamos.

viernes, febrero 23, 2024

[Crónica] Asagraum + Helleruin en Sala El Tren (Granada) 22/02/2024



 Desde que las neerlandesas Asagraum anunciaron gira por nuestro país con Helleruin como invitado, en su “Involking Darkness Across Spain Tour” que nos llega de manos de Kivents, pusimos la vista en esta cita ya que, en Granada, no son muchos los conciertos de black metal con artistas internacionales los que podemos disfrutar por aquí. Cierto es que la fecha, en jueves y la hora (se anunciaba a las 20 h.) no son los más propicios para una invocación satánica. Cierto también que la sala es una de las más grandes de la ciudad pero aún así casi un centenar de black metaleros, algunos ataviados para tan fausta ceremonia, se dieron cita anoche en Sala Tren para levantar los cuernos al cielo y mover las melenas a golpe de doble bombo.


Como no podía ser de otra forma, la más negra oscuridad (en sentido literal) se cernía sobre el escenario para recibir a Helleruin para dar paso a esa suerte de aquelarre sonoro. La banda, es realmente un proyecto unipersonal que publicó el pasado año “Devils, Death and Dark Ars”, creado por el multi instrumentista Carchost que dio vida seis nuevas composiciones desde su parte más intrincada y oscura y así nos las presentó anoche con una ejecución vocal y una actitud perfectas amén de la perfecta instrumentalización de la banda que le acompaña cual jinetes del apocalipsis.


Dejando el listón bien alto, los holandeses ejecutaron un black metal directo, brutal, oscuro y absolutamente salvaje. Además de presentar su disco Helleruin traían temas de su anterior trabajo usando como introducción a sus cincuenta minutos de permanencia en el Averno su “All shades of Ferocity” mostrando desde el primer momento a Carchost moviéndose sin tregua por todo el escenario como poseído por todos los demonios procedentes de todas las religiones y mitologías del mundo.



Tras un cambio y un check line que se nos antojó un poco extenso tomaban posesión del escenario las neerlandesas Asagraum cual sacerdotisas del infierno, con la estética y la puesta en escena más lúgubre y tenebrosa, algo menos de oscuridad en el escenario, para deleite de los presentes que por fin podíamos ver la cara de las oficiantes. Liderada por Obscura y A. Morthaemer, la presentación de “Veil of Death, Ruptured”, plagado de todos los posibles matices del black metal satánico aunque se les intuyen influencias de los grupos de la old school del género llevado a la fuerza del lado femenino, más sutil pero sin perder contundencia.



Impresionante Alexandra Rutkowski, bajista de la banda, interactuando con el público, sacando la lengua y mostrándose cercana a los fieles congregados en la oscura ceremonia dedicando miradas pretendidamente amenazantes mientras Obscura permanecía algo más fría pero concentrada en llevar a cabo su perfecta ejecución vocal destacando temas como “De waanzin roept mijn naam”, “De Verloren Tijd Impure Fire”, “Opus Ad Aeternum” o “Ignem Purificat Lilitu”.



Durante su actuación, de impecable sonido, agradecimos especialmente la presencia de algo más de luz para disfrutar de tan magno espectáculo y, si bien la sala se veía un poco vacía, hay que reseñar el hecho de que para ser un concierto de black metal la presencia de público fue la que se podía esperar de un género un poco más alternativo dentro del metal que vive en estos momentos un pequeño resurgimiento del metal alternativo o el hard rock dejando estos estilos más crudos para el nutrido grupo de fieles que sí se sienten convocados a cada uno de los akelarres que se celebran en esta pequeña ciudad y las limítrofes ya que esta gira, de ocho fechas con las que están haciendo un completo recorrido por nuestro país.



Por delante les queda Zaragoza y Bilbao y, si todo va como anoche en Granada, auguramos sendas noches de disfrute dentro de este ritual esotérico en el que se convocarán a todas las fuerzas de ultratumba a través de las voces crudas y guturales de estas dos bandas llegadas desde el frío que no os van a dejar indiferentes.


[Noticia] Sander Clasen publica "All I Ask" (Autoedit.)

 


Sander Clasen presenta el tema “All I Ask” en un acústico íntimo, cercano, grabado en directo para disfrutar del sonido más crudo y personal de este artista afincado en la Alpujarra granadina. All I Ask es un tema que habla sobre la resiliencia, la dignidad, el amor, y la valentía necesaria para ser fiel a uno mismo.

El estribillo es como un mantra que pide “Al Que Siempre Escucha” (al universo), recibir la fuerza suficiente para proteger a la familia y salir adelante: "I only Ask to the 'All Time Listener', to grand me forces, to protect my family here."


La canción nace de la observación del mundo en que vivimos, de los duros momentos vividos durante la pandemia. En aquellos difíciles momentos, lo que Sander tenía claro es que, junto a su pareja, iban a mantener su dignidad y sistema de valores, su modo de pensar ante todo aquel sin sentido y así lo expresa en los versos finales.




miércoles, febrero 21, 2024

El "Mundo Extraño" de Sharon Bates

 


 Sharon Bates es una banda indie rock
formada por Cristian Haroche, Daniel Peñalba, Javi Hernández, Rober Hernández y Sergio Villar que ha publicado "Mundo Extraño" el pasado 9 de Febrero después de su selección en "Girando por Salas" con Juanma Latorre, encargado en la producción y Juanjo Reig responsable de la grabación y mezcla en Estudio Silencio. 

 "Mundo Extraño" es el sexto single de su nuevo disco que verá la luz este mismo año y que ha ido en cuentagotas desgranando cada sencillo hasta publicar próximamente el disco completo. Un álbum que la banda presentará en su gira de conciertos tras ser seleccionados por Girando por Salas, iniciativa patrocinada por el INAEM del Ministerio de Cultura y Deporte.

 Ciudades como Valladolid, Logroño, Murcia, Guadalajara, Ciudad Real, Granada, Málaga, Badajoz o Vitoria, entre otras, serán las ciudades en las que Sharon Bates descargarán sus canciones. 



  Según menciona la nota de prensa con "Mundo Extraño", la banda invita a reflexionar a no seguir la corriente de música de masas, pensamiento colectivo según recitan "no necesitamos nada más, no necesitamos saber quién manda, no creemos en dioses ni en condenados". Encontrando un punto intermedio jerárquico dentro de una reflexión de una especie de estructura piramidal reestructurada en el tiempo de la industria musical. La canción sigue la línea con canciones previas del grupo "Flor", con un discurso muy actual que hablaba sobre el feminismo, diversidad y el inconformismo.

  He indagado dentro la escucha desde los comienzos de la banda indierock vallisoletana y cuenta con una trayectoria de más de una década, cuando lanzaron "Dirigido por Adam Smithee". Un disco que es una joya escondida, muy recomendable en su escucha de frescura juvenil. Cuenta con numerosas canciones muy explosivas de guitarras y enérgicas muy interesantes y bailables. Un disco autoproducido por la propia banda y José Caballero, que suena de maravilla percibiendo cada detalle sonoro "Pierdo el control", "Vértigo", enriquece incluso con destellos de sintes, solos de guitarra resulta muy regeneradora emocionalmente. "Mil intentos" de bajo acentuado y creciente revolucionada. "Lipsick Rojo" otra explosiva canción creciente, acelerada y muy trabajada en la sincronización. Las canciones más pausadas también tienen mucho encanto melódico de guitarras, "Robinson en Hyde Park"o "Bambola" que tiene un encanto de exótico latino con referencias rocanroleras de la época dorada de Calamaro. "Diecisex", "Instinto Animal" o "Punto Suicida" son un triplete de canciones rockeras más directas en modo caída de trampolin, otro lanzamiento de piedras incluyendo líricamente el popular filtro para días grises y la imagen de una falta básica. Un disco que es muy disfrutable, buena tonalidad que juega escalas y elocuente de voz, excelente percusión y buena dosis de esencia rockabilly con perfecta sincronización. En directo este disco debería sonar increíblemente atronador dentro de una buena sala acondicionada. 

 "Hawai Quizás" (2017) excelentemente producido por Carlos Hernández sí que sigue la senda del primer trabajo con la madurez necesaria amplificando el sonido del grupo hasta tocar techo todo lo que puede ofrecer la banda desde sus inicios. Y aunque a mi gusto no llega a ser tan frenético y variable dentro de sus composiciones ganan en melodía, las canciones publicadas se asemejan melódicamente a grupos como Supersubmarina como "La Huida", es una exquisitez sonora imprescindible. "Capri", "Soy un Animal" son joyas indiscutibles. 

 "Mundo Extraño" igual que los anteriores sencillos presentados de su próximo disco gira hacia una extraña dirección el rumbo de la banda. Los sencillos presentados dista muchísimo musicalmente desde sus comienzos tan frenéticos. Las canciones parecen un cóctel de ensueño tropical, que se vuelcan musicalmente en otros sonidos más folklore hasta vals. Yo lo encuentro más cercano algunas canciones tribales o exóticas, parecen más influenciados por los estilos de Xoel López o Vetusta Morla (Vietnam, Mundo Extraño, Flor, El León, Mejor...). Muchos ritmos acústicos, rascadores, cencerros, ukeleles, filtros de voz, sintes... el último single incluso me lo imagino para bailar con toga alrededor de hogueras, líricas donde encontramos una incertidumbre dentro de cada reflexión. Ofrece sensación que nutre de contradicciones sobre los próximos proyectos según sople el viento de una moda musical . Un cambio sonoro arriesgado que resulta un poco desconcertante  en la trayectoria del grupo, pues "Dirigido por Adam Smithee" y "Hawai Quizás" son dos productos con ese toque rockabilly más fresco, cercano a la generación de grupos Airbag, Cooper... que a mi gusto los proyectos del grupo encajaban a sonar  similar al último disco de Ripoll, canciones que potencian un tratamiento de rejuvenecimiento sensorial.

jueves, febrero 08, 2024

Cala Vento, cabeza de cartel del Incendiari Fest

 


La tercera edición del Incendiari Fest tendrá lugar el próximo sábado 4 de mayo en el auditorio de Burjassot (València) 

El festival que aúna el skate, la música y el arte ya tiene fecha para su tercera edición. Se trata de una de las citas más interesantes y destacables dentro del panorama más underground valenciano; un festival protagonizado por las nuevas generaciones que destacan con propuestas interesantes y diversas, dónde la música se combina con exhibiciones de skate y arte poniendo colorido y diversión a un festival que se ha convertido en imprescindible. 

Con cartel cerrado contarán para esta edición con los catalanes Cala Vento a la cabeza, seguidos por nombres de altura como Belako, VVV [Trippin’You], Mausoleo y Xenia. Esta edición cuenta con la colaboración de Vibra Mahou, la plataforma de música de Mahou Cinco Estrellas que impulsa encuentros de calidad en torno a la mejor música en directo, contribuyendo al enriquecimiento de la escena local, así lo muestra también el encargar el diseño de cartel a @Ritaboooh (un cartel que se integra a la perfección con la esencia del festival). 

Las entradas se encuentran ya a la venta en la web del festival: www.incendiarifest.com 

Las puertas del Auditorio se abrirán el 4 de mayo a las 16 horas dónde empezarán seis horas de música continuada. Además, también contarán con programación dedicada al skate y el arte. 

Más Info: Incendiari Fest

Fotografías: María Carbonell











lunes, febrero 05, 2024

Últimas confirmaciones del Canela Party: Bar Italia, Lisabö, Superchunk y muchos más

 


La próxima edición de CanelaParty presentada por SON Estrella Galicia se celebra del 21 al 24 de agosto próximo. Hoy cierran su cartel añadiendo nueve artistas a su ya abultado cartel: Bar Italia, Deeper, Lisabö, Orina, Shannon and The Clams, Superchunk, The Tubs, VVV [Trippin' You] y Viva Belgrado. 

¡Menuda nos espera! No podía ser de otra manera, y Canela Party presentado por SON Estrella Galicia, el pitote del verano, cierra su nutrido cartel con otros nueve artistas que hacen un total de 42, ¡sí 42!, nombres en una programación para cortar el hipo. Los británicos Bar Italia, con ese segundo y brutal álbum llamado "The Twits" bajo el brazo; los estadounidenses Deeper, teloneros de los mismísimos Depeche Mode en su próxima gira, ahí es nada; el esperadísimo regreso de la tormenta sónica de Lisabö; Orina, una de las bandas más en forma de la emergente escena local de Málaga; el garage punk de lo siempre irresistibles Shannon and The Clams; otro anhelado retorno como el de los veteranos Superchunk, piedra angular del indie rock surgido de los States; los galeses The Tubs y su sonido tan heredero de los 80; el neo bakalismo ilustrado de los hipervitaminados VVV [Trippin' You] y el post hardcore de los siempre combativos Viva Belgrado, recién llegados de una gira por Latinoamérica. 

Todas se unen, recordemos, a los artistas nacionales e internacionales ya confirmados previamente. Pasemos lista: Adiós Amores, Amigas Íntimas, Big Thief, Cala Vento, Crack Cloud, Curtis Harding, La Culpa, Dame Area, Finale, Fin del Mundo, Gilla Band, Home Front, Ibibio Sound Machine, Israel Fernández & Frente Abierto, Joyce Manor, La Plata, Los Punsetes, Margarita Quebrada, Meeky, Metz, Militarie Gun, Monteperdido, Prison Affair, Protomartyr, Sheer Mag, Show Me The Body, Slift, Snõõper, Standstill, Triángulo de Amor Bizarro, Wednesday, White Reaper y Yawners. Ahora sí que sí. ¡Habemus cartel(azo)! 

Ya lo avisaban en diciembre, cuando se anunciaron las penúltimas confirmaciones: que habrá que darse vidilla para no perderse la cita más bizarra, loca y satisfactoria del verano en nuestro país. Tras agotar los dos primeros tramos de venta, aún quedan abonos disponibles de último tramo, ojo, al fantástico precio de 99 euros, más gastos de gestión, en este enlace. 

 Recordemos también que CanelaParty, siempre en pos de la comodidad de nuestra familia, seguirá respetando el aforo limitado. ¡Así que corre a por tu abono, amigx!

viernes, febrero 02, 2024

Entrevista a Atlàntic: "Esa es nuestra única premisa, las melodías pop"

 


Atlàntic la banda valenciana formada por Josep, María y Thomas acaban de publicar su nuevo trabajo “Desnivell positiu”. Al año que viene cumplirán una década de un proyecto que nació en un parón de Moonflower, banda liderada por María, a causa de una larga estancia de esta en EEUU. 


Nos contaba Josep en el año 2017 que decidió formar una banda por puro aburrimiento. Toda una vida dedicada a la música por amor al arte, a las canciones, a las melodías pop y, por último, y no menos importante a la amistad. Nos deja un poco impactadas cómo corre el tiempo, pero también nos emociona pensar que en la medida que podemos, seguimos aquí, apoyando a las bandas valencianas, siguiéndoles la pista, viendo su evolución, y tristemente, viendo a muchas nacer para poco después desaparecer. Cuándo nos encontramos con la tozudez encantadora y la constancia vitalista de gente como Josep y María, no podemos dejar de sonreír, y de pensar, ole por ellos, otra vez están aquí. 

Así que nos hemos lanzado a hacerles una entrevista que os invitamos a leer. Han pasado tres años desde su último trabajo “Volem els Ponts”, los tiempos manejados son más o menos similares de una entrega a otra, y eso nos muestra que realmente no tienen prisa y que cuándo vuelven con algo entre manos es porque vale la pena. Todo acompañado de esa profesionalidad que tienen a la hora de mostrar al público sus discos; cuidadas portadas e imagen de promo, una excelente comunicación en redes y un trato con la prensa imprescindible para bandas pequeñas como la suya: 

“Comenzamos a maquetar las canciones en 2021, aunque la mayoría las compusimos a lo largo de 2022. Ya en 2023 nos marcamos el objetivo de grabar el disco y publicarlo, pero por distintos motivos tuvimos que ir posponiendo la grabación y consecuentemente la publicación del disco. El verano pasado, justo antes de marcharnos de vacaciones, reservamos un par de días en Novo Estudios para grabar lo que sería la base rítmica del disco. Fue un poco a corre-prisa, Facundo (Novo Estudios) tenía un par de días libres y nos los agendamos para no aplazar más la grabación. Era como ‘tiene que ser ya’, porque si no corríamos el riesgo de caer un letargo peligroso. Tras venir de vacaciones, estuvimos un par de meses grabando cosas en nuestro estudio casero, que hemos llamado ‘La Casa Vella Estudi’. En casa pudimos darle la producción que queríamos, sin prisas y repitiendo muchas veces hasta tener la toma que queríamos. Cuando tuvimos el disco acabado prácticamente se nos había terminado 2023, por lo que decidimos que lo publicaríamos en 2024.” 

Un trabajo cocinado a fuego muy lento por las circunstancias de la vida que ha hecho que se entremezcle el sonido del directo con el arte de la producción, y en el que Josep ha encontrado tiempo para disfrutar de la música con libertad: “De 2020 a 2023 han sido cuatro años muy intensos, con cambios de trabajo, consolidar una marca como Varus Drums (la de Thomas Mantovani) y, sobre todo, ver crecer y aumentar la familia de toda la banda. Realmente lo que sostiene a Atlàntic es la amistad que nos une, además de la evidente afinidad musical. Hemos tardado porque no nos ha dado la vida para más, sinceramente. Y el empujón final para que saliera el disco se ha producido después de perder mi empleo (Josep). Personalmente está siendo un tiempo complicado de gestionar, pero musicalmente ha sido increíble: por primera vez me he podido dedicar a la música casi a diario, y se ha notado. ¡Cómo he disfrutado!” 

Se os nota satisfechos y contentos con el resultado, y repetís con Carlos Soler para la mezcla y masterización: “Estamos muy contentos, la verdad. Este disco ha cambiado mucho en el proceso. Lo concebimos inicialmente como un trabajo más directo, con menos producción y ambición, pero las circunstancias personales nos han permitido trabajar mucho más en las canciones, dedicarle mucho tiempo sin la presión del estudio. Por otra parte, trabajar con Carlos es genial, siempre lo ha sido. Es una suerte que aceptara el encargo.” 

"Volem els ponts" fue premiado al mejor disco pop de los Premios Ovidi de 2020. Algo sorprendente, pero no por ello merecido, si no atenemos a que es una banda que canta en valenciano pero que no estaba tan en el candelero como otras formaciones que han copado programación, prensa y público: “Fue una sorpresa tremenda. Aunque en ‘1976’ ya grabamos dos canciones en valenciano, realmente la apuesta por el cambio de lengua fue con ‘Volem els ponts’. El disco no llevaba ni 15 días publicado cuando recibió el premio. Como dije cuando recogimos el galardón en Alcoi, aquel día nos sentíamos un poco extraterrestres. Nos plantamos allí sin sello discográfico, sin manager, sin booking ni nada (y así continuamos a día de hoy, jeje) y dirigiéndonos a un público nuevo para nosotros. Yo creo que hubo algunas personas que se enteraron de nuestra existencia aquel día. Lo malo es que fue el año de pandemia y ni siquiera pudimos presentar el disco en directo. Para una vez que nos pasaba algo bueno, no lo pudimos aprovechar. Bajonazo tremendo.” 

La formación de Atlàntic ha menguado convirtiéndose en un power trío y esto les ha otorgado un sonido más fresco y empacado. Han ganado muchos enteros y sobre todo pensamos que esto es gracias a la amistad que les une. Thomas ya se ha convertido en un imprescindible: “Sí, nos quedamos como power trío porque era lo más viable dadas las circunstancias del grupo. Nos ha obligado a adaptarnos, a sonar más compactos y más directos. Ahora creo que estamos encontrando un buen balance para los directos, donde ‘la masa madre’ de nuestro sonido es potente, y añadimos con alguna pequeña base detalles que suman y mejoran la canción. Respecto a Thomas, es como nuestro hermano. Llegó de Italia a la aventura y tuvimos la suerte de encontrarnos en el camino.” 

En Alquimia Sonora seguimos las aventuras de Josep y Maria y sus dos peques sobre ruedas en sus períodos vacacionales. Son dos almas libres comprometidas con el medio ambiente y la vida conectada con la naturaleza. “Desnivell positiu”, nos habla del ejercicio de superación a lo largo de nuestras vidas: “La idea del disco llegó en vacaciones de verano en el coche. Íbamos cargados con las bicis y las tiendas de campaña, de camino a Alemania, donde íbamos a pedalear unos cuantos días. María preguntó ¿y qué te parece ‘Desnivell positiu’? y mi cara se iluminó. Vi la luz. Cuando vamos de ruta siempre consultamos el desnivel positivo de las etapas (la suma de todos los ascensos que tengas que hacer en una distancia) para no morir en el intento. Adaptamos los viajes a las peques y no pueden ser muy exigentes. De ahí viene el título. Pero también porque es como la vida misma o la trayectoria de un grupo de música, que cuando superas una cuesta, viene otra y no sabes muy bien si alcanzarás el objetivo. Pero lo realmente importante, sin embargo, es el propio camino, la experiencia que vives. Ahí es donde disfrutas, con sus cuestas y sus bajadas.”  “Mig ple” sería ese resumen perfecto de una vida dedicada a la música: “Puff, lo de tirar lo toalla creo que se me pasa por la cabeza con cada disco que saco, y ya llevo publicados 9 en 25 años, ¡que se dice pronto! Así que, si seguimos aquí, es porque hay algo poderoso en la música que te atrapa y hasta resulta terapéutico. Hace tiempo que abandonamos la idea romántica que se tiene de una banda. Ahora simplemente echamos de menos que nos programen. Salvo honrosas excepciones, vivimos en la absoluta intemperie en lo que a conciertos se refiere. Pero las pequeñas recompensas de momento se imponen a las penas.”

Con el paso del tiempo las fuerzas se han equilibrado, y María en esta nueva entrega tiene un mayor peso en el plano vocal, y en muchos de los cortes, existe un acople perfecto entre ambos a la hora de cantar las canciones, dándoles una mayor entidad: “En este disco María ha recuperado un poco el protagonismo que tenía cuando lideraba Moonflower. Hay mucha mano femenina en "Desnivell positiu": desde letras de canciones hasta composiciones completas. Digamos que María es musicalmente hablando más retorcida que yo, le gusta mucho jugar con cambios de tempo, compás o tonalidad. Además, Thomas es bastante fan de hacer este tipo de cosas. En este disco hay desarrollos más complejos que en el anterior, sin perder la frescura del pop. Después de tantos años (Atlàntic cumple 10 añitos en 2024), hemos encontrado, como bien señalas, un equilibrio en cuanto a sonido, composición y roles en el grupo. María debe aportar siempre, porque cuando lo hace ganamos, y Thomas tiene total libertad creativa. Entre todos hacemos un buen equipo.” 

En busca de la melodía perfecta, como todos aquellos grupos de powerpop que tanto les gustan, o como los Beatles a los que adora María, o de cortes indie rock más en la línea de contemporáneas como sus admirados (y también de las peques) Alvvays. Desde estas líneas declaramos a Anna Krushchenko como el hit, y nos preguntamos quién es Anna Krushchenko: “Es un personaje inventado, pero basada en hechos reales. Digamos que la historia de una agente doble inspiró la canción. Al principio el estribillo solo lo hacíamos como explosión final del tema, pero Carlos Soler nos hizo ver que no podíamos desaprovecharlo, y pasó a estar al principio y al final. No sé si es un hit, pero la canción la hicimos del tirón en un ensayo y en el estribillo ya cantaba "Anna Krushchenko". Me encajaba tanto, que busqué una historia que le diera sentido al tema.” 

Por ejemplo, “Esclat en la cara” tiene un sonido muy Pixies, y es que es inevitable que en las canciones se cuelen referencias de lo que está escuchando en el momento el artífice de estas. Por cierto, pensamos que todo lo personal es político, y que sí, que las letras deben servir para expulsar sentimientos, y cuestionar los pensamientos de los demás. En esta canción se vierten esas preguntas que muchas de nosotras nos hicimos al día siguiente de las últimas elecciones locales y autonómicas (Borinot, pensa un poc…): 

“Sí, "Esclat en la cara" tiene un inicio muy Pixies o muy Weezer. ¿Sabes que el primer disco que compré (en cinta) fue el Doolittle de los Pixies? Y sí, la escribí después de las elecciones de mayo de 2023, preguntándome qué había pasado para que la extrema derecha se haya colado en los gobiernos. Sobre el momento de creación, es evidente que lo que escuchas lo llevas de alguna manera a tus canciones. Pero como he explicado antes, en este disco se abre el abanico estilístico sin salirnos de presupuestos pop. Hay canciones con cambios de tonalidad (Monstres, Sibèria), o progresiones que no esperas (Podemos bailar), y otros temas de corte clásico pop o powerpop. Nada premeditado, es lo que nos pedía el cuerpo, y con mucha más influencia de María.” 

¡Queremos destacar “Baina!”, como corte necesario y atrevido, y sobre todo resaltar el hecho que un hombre pueda cantar acercándose al lado femenino, cuándo suele ocurrir lo contrario (mujeres cantando desde un plano masculino): “Efectivamente "Baina!" es un tema que escribí sobre la violencia machista y consideraba importante hacerlo desde la perspectiva de la mujer. Cantar en femenino no es la primera vez que lo hacemos; de hecho, en "Pam i mig" también lo hago, aunque en este caso la letra era de María. Como bien dices, ¿Qué problema hay por cantar una canción en femenino? Para nosotros ninguno. En todo caso, ahora Atlàntic es prácticamente un grupo con dos voces, por lo tanto, es bastante versátil en ese sentido. Las melodías pop lucen a todo gas como en "Animal": ·Esa es la única premisa de Atlàntic, las melodías pop. A partir de ahí se construye todo y aunque haya canciones que se alejan del concepto, al final siempre tienen un pequeño flirteo con las hechuras de un tema pop.” 

Y por último que "El teu propi cel" nos eriza la piel descubrir que está cantada para sus hijas: “¡Vuelves a acertar! Es que es muy bonito ver crecer a una persona, redescubrir la vida con ojos de una niña o niño es tremendo, te das cuentas de lo tristes que somos los adultos muchas veces. Pero ‘El teu propi cel’ viene a decir que, al final, cada persona elige el camino que quiere y lo único que podemos hacer es acompañarlas en esa aventura que se llama vida. Tanto en este disco como en el anterior la paternidad/maternidad nos ha dado bastantes argumentos para componer.” 





Josep
se despide y os anima a que vengáis el próximo jueves 15 a Loco Club dónde presentaran “Desnivell positiu” (a los platos estarán Ciudad Dormitorio), y os recordamos que es gratis para los socios de la sala. Si aún no te has animado a beneficiarte de todos los privilegios que nos regalan por tan solo 50 euros. Tal vez sea este el momento: “Al principio hablabas de la entrevista que nos hiciste en 2017… Recuerdo que estábamos en un bar del Carme y que hablamos un montón. ¡Menuda currada te pegaste para transcribirla! ¡Nada más que añadir, excepto gratitud eterna!”

Texto: María Carbonell
Fotos: Carlos Bartual


Más info: Atlàntic


[Crónica] The SCHIZOOPHONICS en Planta Baja (Granada) 01/02/2024)


Por primera vez en los muchos años que llevo yendo a conciertos en Planta Baja, llegar con unos minutos de retraso me supuso un problema a la hora de colocarme en buen sitio para sacar las mejores fotos de esta banda de la que tan bien me habían hablado. Nada más entrar, mi primer pensamiento fue que Jimi Hendrix y James Brown habían tenido un hijo secreto. Allí, sobre el escenario de Planta Baja, con una sala que registró otro lleno, como suele ser con este sello Serpiente Negra, un cantante-guitarrista-cuerpo de baile se contorsionaba salvajemente mientras tocaba la guitarra con no menos fiereza que la mostrada en su frenético baile. Mi cabeza se fue rápidamente a los sonidos de Jimi Hendrix Experience, los Stooges, MC5, James Brawn, Jerry Lee Lewis o el mismísimo Little Richard.


Melodías sencillas pero contundentes, alto voltaje e igual volumen y una tremenda con la mano izquierda permiten a Pat Beers jugar con la guitarra, arrojarla, subirla, tirarla al suelo o hacer cualquier movimiento acompañado de ella y una buena carga de pedales de efectos para distorsionar y dar mucho fuzz a las alocadas melodías con las que despliega su huracán sónico.



A pesar de que la batería siempre queda en segundo plano, bastaron unos minutos para tomar conciencia de la importancia del trabajo de Lety Beers a los platos. La pareja, venida desde San Diego, forman el tandem perfecto en el que la presencia de otra chica al bajo termina de redondear una formación en la que está claro que no se trata de un power trío más, sino más bien una banda incendiaria, casi kamizake. Sonidos salvajes de los ‘60 y ‘70 y mucha crudeza les convierten en una máquina arrolladora de hacer rock’n’roll/garaje sin medias tintas. 



Ni un descanso y varias bajadas de Pat entre el público, muchas acrobacias y el incesante movimiento de un frontman que se hace con toda la atención porque, si dejas de mirarlo, ha cambiado diez veces de sitio.Para la prensa californiana son “La banda más excitante de la década” y en Granada hemos podido corroborar esa definición tras el chute de alta energía que recibimos a puro guitarrazo anoche en Planta Baja.



Pat y la baterista Lety Beers se conocieron en Arizona, pero se instalaron en San Diego, California, y allí montaron The Schizophonics en el año 2009. Con un sonido puro high energy de Detroit, metieron además de las referencias ya nombradas, los californianos mezclaron a los Kinks o a los Troggs, y a las bandas del garage punk americano de los 60 que habitaban los Back From the Grave o los alrededores de Tacoma. Una gran dosis de a Little Richard y de las bandas del proto punk psicotrópico británico, mucho movimiento y salió este pedazo de banda que nos dejó sin resuello durante poco más de una hora.



Elegidos durante varios años como la mejor banda de San Diego. Desde su primera visita a España en 2013 no han dejado de ganar seguidores por donde han ido pasando. Si hay una palabra que está prohibida usar al hablar de ellos es precisamente “indiferencia”. Su último álbum, "Hoof It" (2022) es la excusa perfecta para volar hasta Europa y convulsionar la escena de varias ciudades, en las que están dejando un conjunto de frases acabadas en signo de exclamación. Superlativos, explosivos, un regalo para la noche de un jueves granadino .Lo dicho, aún ando cogiendo resuello, ojalá muchos más bolos como éste.



[Crónica] Les Lullies y Austin TV en Planta Baja (Granada) 28/01/2024

 


Resulta impresionante que, en una ciudad como Granada tengamos el lujo de escuchar a grupos internacionales que recalan por aquí gracias al buen hacer de Serpiente Negra, siempre atentos al paso de bandas que, de otra forma, no tendríamos posibilidad de ver en una ciudad muchas veces copada (e incluso saturada) por el “indie”.



Les Lullies hacían parada en Planta Baja como parte de su amplia gira peninsular, precedidos por su fama de grupo cañero, bien curtido en directo y a todas luces, incendiario “a la francesa”. Venían presentando “Mauvase foi”, aunque “Mala fe”, ninguna, más bien todo lo contrario, un buen rollo que se desbordaba entre un público que llenó la sala. Muy placentero, en una época en la que erróneamente parece que todo lo importante sucede en los festivales, es ver un recinto como el Planta lleno hasta los topes, cuanto realmente, el origen de la música que escuchamos hoy en día está en los pequeños locales y salas donde paladear a los grupos cara a cara.



De coronarse cara a cara saben mucho los de Montpellier, y lo dejaron claro facturando un concierto contundente, de alto voltaje. Cuarenta y cinco minutos frenéticos que supieron a muy poco dadas las ganas con las que se recibieron y lo mucho que se bailó con ellos. El cuarteto entrega un punk-rock de aspecto garagero/psych que resulta altamente atractivo en directo. Sin perder de vista la melodía que es base de su explosiva forma de interpretar cada tema. Les Lullies se asemejan al sonido The Stooges y Buzzcocks, con ecos de MC5 o incluso Sex Pistols y con esas influencias definen un sonido propio crudo y envolvente. Un gustazo disfrutar de esta banda francesa en la ciudad, sobre todo en ese 2X1 que ofreció Serpiente Negra en esta cita.



Tras un rápido cambio de escenario, Austin TV subió al escenario entre fuertes aplausos del público que a esas horas abarrotaba la sala. A pesar de haberles visto el día anterior en Málaga junto a Cala Vento, con quien están compartiendo escenarios en varias fechas peninsulares, sabíamos que este encuentro iba a ser más largo y completo y con esa premisa nos dispusimos a disfrutar nuevamente de esta curiosa banda que se halla presentando su últimos disco, “Rizoma”. Como entrada, por supuesto su “Todo final es también un comienzo” que sirve como introducción y como despegue de todo lo que viene después.



Desde el primer instante se palpaba la conexión del grupo con el público, especialmente cuando tomaban la palabra y explicaban el por qué de actuar a cara cubierta “Tu cara no importa, lo que importa es la música”. Chiosan (teclado), Xnayer (batería), Názari (guitarra), Rata (bajo) y Acky (guitarra) comenzaron despacharon uno de esos conciertos para el recuerdo. Muchas frases de agradecimiento de la banda hacia el público y un buen ambiente, espiritual en cierta manera, para compartir instantes mágicos en esta ciudad que les ha acogido con tantas ganas.



Momento estelar mientras sonaba “De la orquídea a la avispa”, uno de los temas que más invita a la introspección entre los que componen su último trabajo. Ambiente que también se notaba cuando escuchábamos las locuciones que se introducen dentro de los temas y, sobre todo, cuando los mexicanos hablaban con el público y le invitaban a compartir esa catarsis a través del sonido.



Una cita redonda, por duplicado, en otro de los grandes carteles que Serpiente Negra tiene a bien traer a Granada. Un lujo que Toni Anguiano siga adelante con todo esto porque, los domingos, sin Serpiente, serían mucho menos domingo ahora que nos estamos acostumbrando a este frenético tardeo granadino.



jueves, febrero 01, 2024

Bigote Chino: "La vida explota" (Lunar Discos, 2023)

La vida sonríe a través de la luminosidad de las canciones. La de estos murcianos de querencia sixty y alma puramente pop será mucho mejor, o eso sería lo justo, a partir de este 2024, año en el que empezamos a disfrutar de su interesantísimo primer disco largo. Este "La vida explota" promete ser uno de los trabajos favoritos del año ya en curso para los que amamos la música soleada, con sus sombras espontáneas que la emparentan con la misma vida de la que surge.


Cuando escuchamos “Dile la verdad”, la mínima primera entrega de Bigote Chino, ya imaginábamos que la siguiente andanada sería la buena, aunque ojalá no la definitiva. Con las canciones ya al punto de cocción justo, sólo tenían que atinar el tiro para completar una selección con la que meterse en el estudio a lo grande. Ahora, tres años después, llega “La vida explota”, un trabajo más extenso y por fin con el formato adecuado para expresarse como deben. En el entramado pop en el que se mueven con probada soltura caben canciones marca de la casa, jugando al despiste por sus rincones melódicos y expandiendo sus poderes en varias direcciones, todas reconocibles.

Sus conexiones con el sunshine pop y otras variantes melódicas de los sesenta, tal vez la década que mejor estudiada se tienen, son evidentes en la pureza rítmica de “Vacaciones en Sicilia”, en la que suenan con un perfil parecido al de El Niño Gusano, o en ese himno post juvenil, resabiado y efectivo, que es “Ella lo quiso así”. No es la única ocasión en que apelan al espíritu femenino, y no sólo como excusa temática, sino en forma y voz, pues la de su paisana Alondra Bentley les aporta solidez en la muy sentida “Si es contigo”. Comparten con la solista una fascinación absoluta por la cultura pop en su más amplio y variado concepto. Por la psicodelia de “Mi mutación”, por ejemplo, y por la frescura en general de un concepto que gana accesibilidad y relevancia en lo explícito del tema que da título al disco, llena de colorido y contrastes acústicos.

No se olvidan tampoco de afinar bien los dardos y enfilar una mirada crítica que hace de “Pared de hielo” uno de los grandes momentos de este trabajo, proclamando alto y claro su rechazo a cualquier tipo de hipocresía social e individual. Algo que también le viene de serie a la canónica “Diablos del pompón”, uno de los temas más intensos compuestos para la ocasión. Para aumentar y hacer más vistosa su paleta de colores, basan la línea melódica de “Quiero olvidarlo” en unos teclados dignificantes del mejor garage clásico y se recrean en sus aptitudes con “Hazlo divertido”, una ocasión perfecta para calificarlos como hacedores de hits de digestión inmediata, algo que ponen aún más fácil con el cierre con las guitarras en primer plano de “Un mundo nuevo”, que no debe ser sino un resumen de intenciones y un título perfecto para el futuro que les acecha con todos los buenos augurios por delante. La vida y las vicisitudes que les explota a Bigote Chino pueden y deben estar llenas de buenas noticias. De momento las escuchamos con fervor y sumo gusto.

           

Más info: 

https://lunardiscos.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/bigotechinobanda/

[Crónica] The Baboon Show y The Electric Alley llenan Sala El Tren de rock de alto voltaje (26/01/2024)

 


A The Baboon Show tuvimos la suerte de verlos por primera vez en en 2016 en Granada en la que por entonces era La Sala, un local de pequeño aforo que tuvo buena presencia de gente, pero nada comparable con el seguimiento que han tenido este fin de semana en Sala El Tren, dentro de su gira española. Mucho han crecido en cuanto a éxito desde entonces y muchos son los carteles de importantes festivales donde les hemos visto anunciados. Un éxito más que merecido para los suecos, una banda potente y con mucha actitud con una vocalista carismática y de voz peculiar, Cecilia Boström, una bestia escénica por la que no pasan los años.



Como banda suport, los gaditanos Electric Alley nos recibían con un rock de estupenda factura, potencia y buena puesta en escena. Se ganaron al público desde el primer tema y si algo puedo decir de ellos es que su actuación se hizo corta, signo de que estaba gustando. Su último trabajo “Apache”, llegó en 2022, casi diez años después de su disco debut “Backward States Of Society” con el que ya se granjearon el interés de los que después han sido sus más fieles seguidores.



Abrían la noche con “No control”, perteneciente precisamente a ese disco debut, para meterse de lleno en “Hurricane”, de su último trabajo. Curiosamente, de ésta última referencia sólo pudimos escuchar tres temas aunque, teniendo en cuenta que su setlist se componía de un total de ocho, ya comenté al inicio que se hizo corto, tocar estos tres es una buena proporción para dar una buena cata a su “Apache”, sin dejar de revisitar el resto de trabajos de la banda.



La entrada de The Baboon Show, tras escuchar como intro “Fältåkers Folkpark” de sus compatriotas Korslagda Kukar (bendito Shazam que resuelve las dudas en estos casos), entre humo y luces azules, nos lanzó de lleno a “Made up my mind” enlazada con “Shame” y “Oddball”, un primer trío de ases para dejarnos sin respiración en la primera tanda.



Desde ahí, un show no apto para personas tranquilas. Trallazo tras trallazo, los de Estocolmo saben cómo mantener las revoluciones en una sala sin que haya un solo segundo de respiro. La mitad del concierto llegaba con “It’s a sin” y desde ahí, todo un carrusel de temazos para finalizar con “No aftergow”,antes del bombazo final en la tanda de bises.



La presentación de la banda no pudo ser menos peculiar que la propia puesta en escena y para ello, Cecilia, fue dando pie a que cada miembro del grupo realizara su propio “show”, sin que ninguno de ellos quedara si su “minuto de gloria” más o menos extraño (a modo de ejemplo, vimos a Frida Frida Ståhl cantar una pequeña estrofa cual soprano en su propia obra) o a Niclas Svensson irse al filo del escenario para jalear y moverse rítmicamente en un alarde de buena forma física.



Un concierto realmente “movido” con Cecilia Boström saltando entre el público, subida a la mesa de sonido, sobre la propia batería e interactuando con los presentes con un ritmo enfervorecido mientras Niclas Svensson, baterista de la banda, se hacía más visible en ausencia del gran foco de atención que supone Cecilia. En primera línea, Frida Ståhl, al bajo, se mostraba descarada y desafiante junto a la potente show woman de la banda sin dejar atrás la pericia a las seis cuerdas de Simon Dahlberg, que sustituye a Håkan Sörle quien tomó la decisión de priorizar a su otro grupo Mando Diao, dejando la guitarra en manos de Simón desde el pasado año.



Una pequeña pausa, con cambio rápido cambio de vestuario, tras algo más de una hora de concierto, fue el preludio de la última parte del repertorio, cuatro bises como cuatro cañonazos, lo más movido y alocado de la banda para poner broche final a una apoteósica noche en la que, si algo podemos decir es que esta vez, los suecos, traían puesto todo el calor necesario para hacer de la noche una cita inolvidable.


 
Copyright © 2014 ALQUIMIA SONORA. Designed by OddThemes